The Other Long ’68: Canadian Sonic and Visual Avant-Gardism
Why the other long ’68? It is a legitimate question. One that I would answer, firstly, by calling your attention to the act of curation, which I define as an invitation to experience—to see and hear—the world otherwise; to embrace sonic and visual avant-gardism as a form of future-making; and to reflect on the social, political, and historical conditions that gave rise to it.
The “long ’68” is a resonant concept used by historians to situate the revolutions of that year within their broader context, looking at transformations that began earlier in the decade and extended into the 1970s. I am adapting it loosely here to highlight the exciting work that was happening in the field of sound and visual exploration from the mid-1960s to the early 1970s, a pivotal moment marked by growing interplay between the two arts and the coalescence of a kaleidoscopic Canadian avant-garde.
This program features three sets of two films, each separated by four years: 1964, 1968, and 1972: (1) New York Eye and Ear Control (Michael Snow) and Free Fall (Arthur Lipsett); (2) Chromo Sud (Étienne O’Leary) and Rat Life and Diet in North America (Joyce Wieland); followed by (3) Métamorphoses (Richard Martin) and Variations on a Cellophane Wrapper (David Rimmer). They range from improvised, structural, intertextual works to found-footage films and looping meditations on visual media against a backdrop of political and psychedelic allegories and to the sounds of free jazz, experimental tape music, droning noise textures, and process-based sonic art, among others. In other words, audio-visual propositions that centre the creative arts in the process of imagining the world anew.
Returning to my opening question, curation, then, is not simply the selection of works, but also the structuring of experience and historical meaning with an eye and an ear on a future that we can conjure up and shape. Curation as a journey of discovery and transformation through the arts.
Bon cinéma!
Pourquoi l’autre long ’68 ? C’est une question légitime. Une question à laquelle je répondrais d’abord en attirant votre attention sur l’acte de commissariat, que je définis comme une invitation à faire l’expérience — à voir et à entendre — le monde autrement ; à embrasser l’avant-gardisme sonore et visuel comme une forme de fabrication de l’avenir ; et à réfléchir aux conditions sociales, politiques et historiques qui lui ont donné naissance.
Le « long ’68 » est un concept évocateur utilisé par les historiens pour situer les révolutions de cette année dans leur contexte élargi, en examinant les transformations qui ont commencé plus tôt dans la décennie et se sont prolongées jusque dans les années 1970. Je l’adapte ici librement afin de mettre en lumière le travail passionnant qui s’est développé dans le domaine de l’exploration sonore et visuelle du milieu des années 1960 au début des années 1970, un moment charnière marqué par l’interaction croissante entre ces deux arts et par la cristallisation d’une avant-garde canadienne kaléidoscopique.
Ce programme présente trois ensembles de deux films, chacun séparé par quatre années : 1964, 1968 et 1972 : (1) New York Eye and Ear Control (Michael Snow) et Free Fall (Arthur Lipsett) ; (2) Chromo Sud (Étienne O’Leary) et Rat Life and Diet in North America (Joyce Wieland) ; suivis de (3) Métamorphoses (Richard Martin) et Variations on a Cellophane Wrapper (David Rimmer). Ces œuvres vont de créations improvisées, structurelles et intertextuelles à des films de found footage et à des méditations en boucle sur les médias visuels, sur fond d’allégories politiques et psychédéliques, au son du free jazz, de la musique expérimentale sur bande, de textures bruitistes en drone et d’arts sonores fondés sur le processus, entre autres. En d’autres termes, des propositions audiovisuelles qui placent les arts créatifs au cœur du processus d’imagination d’un monde nouveau.
Pour revenir à ma question initiale, le commissariat n’est donc pas simplement la sélection d’œuvres, mais aussi la structuration de l’expérience et du sens historique, avec un regard et une écoute tournés vers un avenir que nous pouvons invoquer et façonner. Le commissariat comme parcours de découverte et de transformation à travers les arts.
Bon cinéma!
1-New York Eye and Ear Control (1964) – 34 min
is a 34-minute avant-garde film by Canadian artist Michael Snow. It explores the interplay between static, two-dimensional shapes and dynamic living spaces, deliberately juxtaposing flat visual cutouts against a frantic, uninhibited free jazz soundtrack.
New York Eye and Ear Control (1964) est un film d’avant-garde de 34 minutes du cinéaste et artiste canadien Michael Snow. Il explore les interactions entre des formes statiques bidimensionnelles et des espaces vivants en mouvement, juxtaposant délibérément des découpages visuels plats à une bande sonore de free jazz frénétique et débridée.
2- Free Fall (Arthur Lipsett, 1964) – 9 min.
An experimental film from Arthur Lipsett, Free Fall is an assortment of film trimmings assembled to make a wry comment on humankind in today’s world. It evokes a surrealist dream of our fall from grace into banality.
Poème de l’imaginaire et de l’irrationnel imprégné d’un certain esprit rimbaldien. Les images qu’il présente sont de tous les jours: animaux, feuilles, foules, figures, etc. La force de cet essai surréaliste provient de l’agencement de ces éléments familiers et du rythme affolant que communique au film une caméra ultra-mobile.
3- Chromo Sud (Étienne O’Leary, 1968) – 19 min.
It’s a kind of whirlwind of vital, active illusion. Necessary illusion or not, depending if man masters it or succumbs to it. The film does not take a position for or against illusion, it contents itself with depicting its filmic appearances. Illusion which, in the film, raises up the content and the form. I try to give to the film its true communicative value straight-on, beyond partial criteria. It’s a kind of super-production (everyone can understand) for the dead (it is a film and not a narrative, a story, a documentary, etc… all these literary categories cannot fit raw material: 20th-century cinema which communicates with the depths of man, as far as it is possible to reach it, of course: this pertains to death). As I close the parentheses, I continue: my research has taken me to the holy and occult books of the Occident and the Orient: I Ching, Barde Thödol, Tao To King etc…; but also to Mao Tse Tung or magazines or comic books etc…: I face all that stands in my way, advancing not through time but through space. I speak of this because this is the basis of my films, the personal space as it is impersonal for the man who doesn’t seek to project himself into the overflowing world, but instead to receive what is given to him by this overflow.
C’est une sorte de tourbillon d’illusion vitale et active. Illusion nécessaire ou non, selon que l’être humain la maîtrise ou s’y soumet. Le film ne prend position ni pour ni contre l’illusion ; il se contente d’en montrer les manifestations cinématographiques. Une illusion qui, dans le film, élève à la fois le contenu et la forme. J’essaie de donner au film sa véritable valeur communicative, de manière directe, au-delà des critères partiels. C’est une sorte de superproduction (que tout le monde peut comprendre) pour les morts (il s’agit d’un film et non d’un récit, d’une histoire, d’un documentaire, etc. ; toutes ces catégories littéraires ne peuvent contenir la matière brute : le cinéma du XXe siècle qui communique avec les profondeurs de l’être humain, dans la mesure où il est possible de les atteindre, bien sûr : cela relève de la mort). Je referme la parenthèse et je poursuis : mes recherches m’ont conduit vers les livres sacrés et occultes de l’Occident et de l’Orient — le I Ching, le Bardo Thödol, le Tao Tö King, etc. — mais aussi vers Mao Tsé-toung, les magazines ou les bandes dessinées, entre autres. J’affronte tout ce qui se présente sur mon chemin, avançant non pas dans le temps mais dans l’espace. J’en parle parce que c’est là le fondement de mes films : l’espace personnel, qui devient impersonnel pour l’homme qui ne cherche pas à se projeter dans le monde débordant, mais plutôt à recevoir ce que ce débordement lui offre.
4- Rat Life and Diet in North America (Joyce Wieland, 1968) – 14 min
“I can tell you that Wieland’s film holds. It may be about the best (or richest) political movie around. It’s all about rebels (enacted by real rats) and police (enacted by real cats). After long suffering under the cats, the rats break out of prison and escape to Canada. There they take up organic gardening, with no DDT in the grass. It is a parable, a satire, an adventure movie, or you can call it pop art or any art you want – I find it one of the most original films made recently.” – Jonas Mekas “The film is witty, articulate, and a far cry from all the other cute animal humanism the cinema has sickened us with in the past. Nevertheless it is a vital extension of the aspect of her films that runs counter to the structural principle: ironic symbolism.” – P. Adams Sitney, Film Culture “‘Rat Life and Diet in North America’ proves that she’s been looking long and affectionately at animal life, and is a sort of whimsical Evelyn Nesbit; never corny and creating with an intense female-ness.” – Manny Farber, Art Forum
« Je peux vous dire que le film de Wieland tient toujours la route. C’est peut-être le meilleur (ou le plus riche) film politique qui soit. Tout y est question de rebelles (incarnés par de véritables rats) et de policiers (incarnés par de véritables chats). Après avoir longtemps souffert sous la domination des chats, les rats s’évadent de prison et s’enfuient au Canada. Là, ils se mettent au jardinage biologique, sans DDT dans l’herbe. C’est une parabole, une satire, un film d’aventures ; vous pouvez l’appeler pop art ou lui donner n’importe quelle autre étiquette. Pour ma part, je le considère comme l’un des films les plus originaux réalisés ces dernières années. » — Jonas Mekas
« Le film est spirituel, articulé et à mille lieues de tout cet anthropomorphisme animalier mignon dont le cinéma nous a abreuvés jusqu’à l’écœurement. Il constitue néanmoins un prolongement essentiel de l’aspect de son travail qui va à l’encontre du principe structurel : un symbolisme ironique. » — P. Adams Sitney, Film Culture « Rat Life and Diet in North America démontre qu’elle a observé la vie animale avec attention et affection pendant longtemps. Elle apparaît comme une sorte d’Evelyn Nesbit fantasque, jamais mièvre, créant avec une féminité intense. » — Manny Farber, Artforum
5- Métamorphoses (Richard Martin, 1972) – 28 min.
Richard Martin has captured the choreography of a dancer, shooting the performance nine times as a way of accentuating contrasts and producing an abstract composition of form and movement. In the video, contrasts gradually increase until the dancer’s gestures are but abstract black and white movements. The music remains while the commentary disappears.
Richard Martin a capté la chorégraphie d’une danseuse en filmant la performance à neuf reprises afin d’accentuer les contrastes et de produire une composition abstraite de formes et de mouvements. Dans la vidéo, les contrastes augmentent progressivement jusqu’à ce que les gestes de la danseuse ne soient plus que des mouvements abstraits en noir et blanc. La musique demeure, tandis que le commentaire disparaît.
6- Variations on a Cellophane Wrapper (David Rimmer, 1972) – 8 min.
“The basic image is a female factory worker unrolling a large sheet of cellophane… The film resembles a painting floating through time, its subject disappearing and re-emerging in various degrees of abstraction.” – Kristine Nordstrom, The Village Voice
« L’image de base montre une ouvrière d’usine déroulant une grande feuille de cellophane… Le film ressemble à une peinture flottant dans le temps, son sujet disparaissant puis réapparaissant à différents degrés d’abstraction. » — Kristine Nordstrom, The Village Voice
Eric Fillion is director of the International Institute for Critical Studies in Improvisation and assistant professor at the School of Languages and Literatures at the University of Guelph, where he researches the emergence of the arts festival phenomenon in the postcolonial Francophonie and the entangled sonic histories of diasporic social movements, with a focus on both intermediality and improvisation. A former recording and touring musician, he founded the Tenzier archival record label, which deepened his interest in the relationship between sound and images. While still living in Montreal, he curated programs around and about experimental film and video at the Cinémathèque québécoise and Vidéographe. Fillion currently runs the Francophone Cinema series at The Bookshelf in Guelph. He is the author of JAZZ LIBRE et la révolution québécoise: musique-action, 1967-1975 and Distant Stage: Quebec, Brazil, and the Making of Canada’s Cultural Diplomacy, as well as the co-editor of Statesman of the Piano: Jazz, Race, and History in the Life of Lou Hooper (with Sean Mills and Désirée Rochat) and the forthcoming Ripple Effects: The Work That Music Festivals Do in the World (with Ajay Heble).
Eric Fillion est directeur de l’International Institute for Critical Studies in Improvisation et professeur adjoint à la School of Languages and Literatures de l’Université de Guelph, où il mène des recherches sur l’émergence du phénomène des festivals artistiques dans la Francophonie postcoloniale ainsi que sur les histoires sonores entremêlées des mouvements sociaux diasporiques, en portant une attention particulière à l’intermédialité et à l’improvisation. Ancien musicien de studio et de tournée, il a fondé l’étiquette d’archives Tenzier, une initiative qui a approfondi son intérêt pour les relations entre le son et l’image. Alors qu’il vivait encore à Montréal, il a assuré le commissariat de programmes consacrés au cinéma et à la vidéo expérimentaux, ainsi que de programmes portant sur ces pratiques, à la Cinémathèque québécoise et à Vidéographe. Fillion dirige aujourd’hui la série Cinéma francophone au Bookshelf, à Guelph.
Il est l’auteur de JAZZ LIBRE et la révolution québécoise : musique-action, 1967-1975 et de Distant Stage: Quebec, Brazil, and the Making of Canada’s Cultural Diplomacy, ainsi que le codirecteur de publication de Statesman of the Piano: Jazz, Race, and History in the Life of Lou Hooper (avec Sean Mills et Désirée Rochat) et de l’ouvrage à paraître Ripple Effects: The Work That Music Festivals Do in the World (avec Ajay Heble).
Fabulous Festival of Fringe Film 